一些takeaways

规范永远在期待天才的偏离，偏离规范也会呢丰富规范；

但是所有规范都代表权利与正确，越早偏离规范一般就越倒霉；

要认清艺术的价值，有时候需要2-3代人才能醒来。凡是被承认的艺术，进了美术馆的艺术，都是过时的规范，失效的规范；

表达情感不是绘画最重要的特质；

中国推崇的艺术是“能品”，refinement，但是西洋画注重能品，重刻画重神似；

老彼得勃鲁盖尔

南欧北欧无数圣母像和耶稣像，其实都带着各国各地的本土相貌，说明每个时代的艺术家想象的古人和圣人，其实都带着他自己年代和地区的联想；

但是Pieter Bruegel不一样，他将这些神话故事都搬到了荷兰乡村。他也醉心于刻画一组接一组的人群，每组故事衔接了上一段的时间；

当时的画家都是只能画圣经故事的，一些作家就像是夹杂私货一样，将身边事带进宗教画里；

《收割者》是他跳脱自己风格的一幅画，是西方绘画的分水岭，人文主义被带进以宗教名义画的风景画中（根据实景绘画，没有将本地的景色理想化）；

卡拉瓦乔 Caravaggio

当时他为宗教的画，人物都被一束聚光照亮，他就是巴洛克风格（纵深感）过度中的天才；

西洋人热衷于表现搏斗与拼杀，虽然论酷刑史中国人不输西洋人，但是中国人不在艺术中表现这些。

马奈

看画需要学会看颜料的凝结层。由颜料构成的肉体，或者借肉体构成的颜料，欧洲画家玩了几百年，到了19世纪在马奈这里才开始出现厚积的凝结层。马奈有名的著作：《死去的基督和天使》，用这种覆盖和凝结层来描绘基督的身体，在欧洲绘画史上是第一次，而这种凝结层很难在影像中被看清楚。这一幅画也不是为了表明宗教元素，基督尸体上泛青和灰黄色，才是他想要描绘的重点；

油画颜料发明出来，就是为了画肉；

肖像画

古人做事，越是早，越是郑重其事，所以古早的肖像画都很厉害；

安格尔可能是当时最后一位极度认真的订件画家，《路易斯·奥松维尔伯爵夫人》就是安格尔的作品；

巴洛克绘画三杰：鲁本斯、伦勃朗、委拉士开兹

大师的草稿比正版可能会更加传神，但是电脑写作从此消灭了草稿。

绘画不会说也不会动，但它的历史更长久。好的绘画不仅容纳时间，更创造时间，画完之后被时间所拥有，而且一直跟着时间走。说到头，美术馆里收藏的也不过是重重叠叠的时间。

普通人对很多艺术的态度都是“看不懂”，艺术与大众之间永远存在鸿沟。现代艺术也未必包括大众，相反是对大众持续加码的挑衅。“大众”这个词从印象派开始就意味着固定的、过去的美学传统。

毕加索创作的《斯坦因女士的肖像》，对他的艺术生涯来说，是一次巨大的突破。一丝一毫的突破，是一遍又一遍、一笔又一笔找出来的。沿途的失败、挣扎与后来的专辑，又被一笔又一笔的覆盖，永远看不见了。

公众会相信，一副被挂在博物馆的画就是好画，但是我们仍然需要去学习画布背后的故事。