带你们品一品这这届入围的大导和作品们

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第91届奥斯卡刚刚落下帷幕，今年的奥斯卡，出现了多个饱受争议的第一次。

在众多奖项中，最佳导演奖呈现群片逐鹿的形式，每一位入围导演都拿出了水准之上的绝佳作品，作品的影像风格十分突出。我们来看看入围最佳导演们和他们的作品都有哪些不容错过的精彩。

阿方索.卡隆|《罗马》

——一封让世界共鸣的私人家书——

最佳导演、最佳摄影、最佳外语片。

奥斯卡分量最重的三个奖项被《罗马》一一拿下，墨西哥电影第一次问鼎奥斯卡就获得如此殊荣。

阿方索•卡隆是墨西哥三杰中的一杰，他的代表作是《小公主》《你妈妈也一样》、《哈利波特阿兹卡班的囚徒》《地心引力》等 。

关于阿方索•卡隆的导演风格，可以用两个关键词来形容：

一、细腻。

阿方索•卡隆的作品大多以女性为聚焦点，以善用长镜头出名，挑战导演的细腻与丰富。

二、深度。

J•K•罗琳对阿方索导演的《哈利波特与阿兹卡班的囚徒》有相当高的评价：“他真正抓住了原著的精髓。”卡梅隆则对《地心引力》赞赏有加：“这是最好的太空电影”。阿方索•卡隆有一股挥之不去的文人气质和知识分子的敏锐。《罗马》就是最贴近他本人气质的表达。

《罗马》是阿方索.卡隆献给丽波（Libo）的作品。丽波是女主克莱奥的原型，一位中产阶级家庭的孩子保姆兼女佣。导演自小在一个叫做“罗马”的社区长大，影片就是导演回忆自己小时候成长的地方。

一个如此私人化的回忆式电影缘何能够得到大多数 观众的青睐呢？

最核心的原因就是《罗马》虽然刻画的是个体的生活，但展现的却是整个世界的闪光点。罗马一方面是儿时的社区，一方面又是世界万千的标志。导演成功地将电影拍的既小家碧玉又落落大方，赢得最佳导演，自不在话下。

墨西哥是一个阶级分明的社会。佣人与主人是很难成为一个家庭的。然而，影片的家庭却成功地突破了这一隔阂。影片开头的长镜头是地板上层层的水，那时，克莱奥只是一个佣人。开头的水花成为海里的浪花，克莱奥救起了两个孩子后，克莱奥成了这一个家庭的成员。里面所展现的人性之美让人心生温暖。

克莱奥是平凡的女性，不太聪明，不太美丽，怀孕之后，被男友抛弃，挺着大肚子艰难的生活。面对男友的不负责任，面对主人家偶尔的训斥，她坚忍而顽强。

女主人苏菲被丈夫抛弃，一个人要领着四个孩子艰难的生活。她没有放弃，也没有沉沦，辛苦地承担起女主人的责任。影片中三次开车入库的镜头形象生动表达了苏菲的成长。第一次，苏菲是缺席的，第二次苏菲是笨拙的，第三次是小巧精致的。电影中倔强而坚韧的女性让观众印象深刻。

《罗马》是导演写的一封家书，这封家书让观众看到了人性中的真、善、美，赢得了万千观众的青睐。《罗马》是私人的家书，也是世界的共鸣。

欧格斯·兰斯莫斯 |《宠儿》

——不仅仅是宫斗剧，更是历史式寓言——

《宠儿》是希腊导演欧格斯•兰斯莫斯的新作。他被誉为“鬼才导演”，代表作是《狗牙》、《龙虾》、《圣鹿之死》等。

从他的一系列作品中，我们可以看出欧格斯•兰斯莫斯一直有两项必备元素：

一、以强戏剧冲突作为故事背景，让整部电影成为一个匪夷所思但又意有所指的寓言。

二、每部作品都会以某种动物作为隐喻，从而揭示人性中的丑陋（动物性）。

带着这样的眼光，我们可以很快读懂他过往的作品。《狗牙》讲述的是一个与世隔绝的奇怪家庭，父亲把孩子隔绝圈养，绝对的占有他们，从而揭示极权社会的可怕。

《龙虾》是虚拟未来世界中，不谈恋爱的人会变成某种动物，进而探讨婚姻的意义。

《圣鹿之死》讲述了一个因外界势利介入，父亲必须在妻子，儿子，女人中选择杀死一个人的故事。导演以这部作品尝试探讨宗教的内涵。

回到我们今天重点看的电影《宠儿》，这部电影有点不太像欧格斯的作品，因为他不是纯虚构的，而是有真实的人物原型，并且看似只是讲了一个类似《延禧攻略》的宫斗剧而已。我觉得这是对导演的低估与误读。导演依然在讲一个寓言故事，宫斗只是外壳而已。

《宠儿》的英文原名是“The Favourite”，直译为“最爱”。导演不仅仅是在讲公爵夫人莎拉和女仆阿比盖尔争安妮女王宠爱的故事，而是这三位女性都是寻求着自己的最爱。

女王需求的是爱，或者也可以说是性；公爵夫人需求的是权利，她要“我的王国”；女仆阿比盖尔需求的是奢华宴乐，或者也可以说是钱。只有这样，我们才能读懂公爵夫人在被赶出皇宫后的那句耐人寻味的话：“你以为你真赢了我吗？我们只不过是在不同的战场上而已。”

三位女性代表着整个人类，都在被各自的欲望（钱，权，性）奴役着。

导演同样用了三种动物来隐喻这三类人。赛跑冠军的鸭子隐喻公爵夫人的野心，敏感脆弱的兔子隐喻女王的孤独，作为猎物的鸽子隐喻女仆的前程。所有人都被自己的欲望支配着，想活得高贵但却卑微的如同蝼蚁。导演特别用了大量的“鱼眼镜头”来拍摄，将人牢牢的框在画面里，绝美的皇宫却令人窒息。

如此说来，导演非但没有抛弃自己的风格，反而用真实历史的题材，寓言式的表达着自己对人性的看法。

亚当·麦凯 |《副总统》

——把政治讽刺喜剧当真你就输了——

亚当·麦凯原来是《周六夜现场》的编剧，04年的时候自编自导了喜剧片《王牌播音员》一炮而红，2015年执导《大空头》聚焦08年金融危机，将艰涩严肃的金融题材拍得脍炙人口，一时名声大噪。

如今，导演将目光转向了政治领域，想要同样讽刺通俗的方法的来解读晦涩难懂的政治题材。他的目光转向了美国前副总统迪克·切尼。

迪克·切尼是小布什总统的副手，号称“史上最有实权的美国副总统”。他曾是福特总统的白宫幕僚长，后来当选联邦众议员，一度担任共和党党鞭，等到老布什当上总统，他担任国防部长。最后切尼官至副总统，一人之下万人之上。

关于这部影片，首先我想肯定导演的勇气。即便在言论自由与政治开明的美国，如此讽刺副总统的影片，还是会承受一定的压力的。

然而，作为左派自由派和民主党的坚定支持者的亚当·麦凯在影片中也没少黑化切尼总统和他的共和党同僚。影片将切尼总统描绘成“被老婆逼着走的顾家男”，“安静的危险份子”，“攀登权利顶峰的政客”，“老谋深算的投机分子”等等。小布什总统也被刻画成“富家公子纨绔子弟”，“蠢得不止一点”。如此的一边倒的批判明显给人言过其实之感。

再说影片的高潮——“伊拉克战争”。在影片的旁敲侧击下，伊拉克战争被描述成就是“切尼总统一个人为了自己的私利，愚弄了小布什总统，愚弄了白宫，愚弄了全美人民而发动起来的一场毫无意义的战争。”但看完影片着实觉得亚当·麦凯太高估切尼总统了。

这样说来，这部影片就是一部政治讽刺喜剧。影片中的旁白与其说是“上帝视角的解读”不如说是导演的“脱口秀节目”。作为一部政治讽刺喜剧，我们看看，笑笑就可以了。如果你太当真了，觉得“伊拉克战争就只是一场阴谋”的话，那就对讽刺剧过于认真了。

何况导演自己在彩蛋里这么说：“我们去看《速度与激情》吧，那部电影会更有趣点。”对于《副总统》，认真你就输了。

斯派克·李|《黑色党徒》

——用喜剧方式呈现百年种族隔阂的悲剧——

斯派克·李是美国电影制作人、导演、编剧及演员。他曾获得艾美奖并曾获得奥斯卡金像奖的提名。他的电影常讨论关于政治与社会的议题。作为一名最具黑人意识的导演，他一生的愿望就是拍出真正的“黑人电影”，因此他所涉及的题材也大都与黑人的出路、觉醒、与种族歧视相关的主题。他的代表作有《丛林热》、《25小时》、《马尔科姆·艾克斯》，《局内人》、《圣安娜奇迹》等等。

作为著名的“常年得不了奥斯卡个人奖项”的导演，这次斯派克·李凭借《黑色党徒》成功破零，获得最佳改编剧本，激动地跳到塞缪尔·杰克逊身上。

《黑色党徒》是一部野心勃勃的“黑人电影”，他透过对黑白两个族群的极端组织的描绘向观众展现了美国百年来（以3K党的成立时间算起）都一直无法真正愈合的种族矛盾。

黑人群体的极端组织是“黑豹党”（简称BPP)，是由非裔美国人所组织的黑人民族主义和社会主义组织，其宗旨主要为促进美国黑人的民权，另外他们也主张黑人应该有更为积极的正当防卫权利，认为即使使用武力也是合理的。

白人极端组织是“3K党”，推行“白人至上主义”，反黑人，反犹太人，反天主教主义。他们常烧十字架进行恐吓行动，偶尔有暴力行动。

影片是以一位黑人卧底警察分别深入“黑豹党”和“3K党”，进而成功破获一起恐怖袭击的故事。影片以真实事件改编，导演斯派克·李运用他娴熟的叙事技巧和幽默风趣的对白和镜头语言，让我们看到了一部“以喜剧为外壳，以悲剧为主旨”的电影。

影片有两个高潮：一个高潮是两个组织分别进行集会，导演用“交叉蒙太奇”的方式将两个组织，两个族群之间那种剑拔弩张，一触即发的紧张感展现得淋漓尽致。“黑豹党”是用黑人受迫害的故事激发起成员的同情，进而产生对白人群体（尤其是对3K党以及白人警察）的仇恨。“3K党”以观看电影《一个国家的诞生》以及宣誓，洗礼的宗教仪式来强调自己“盎格鲁-萨克逊的纯正血统”来表达“白人至上”，进而仇视其他族裔。当观众看到两个群体的政治诉求和行动主张时，悲凉之感油然而生：“黑人和白人的之间的种族矛盾和隔阂远远还未解决，说不定哪一天就会以我们不忍直视的方式展现在我们面前。”

影片的第二个高潮就是结尾的“现实彩蛋”。2017年8月12日，美国弗吉尼亚州的一场白人种族集会演变成暴力冲突，一名男子驾车撞入集会，造成3人死亡、34人受伤的巨大悲剧。当看完这样的现实后，影片中喜剧印象已经荡然无存了，只留下了对社会，对人性，对现实抹不掉的悲剧思考。

对于《黑色党徒》这部电影，我是尊重的，甚至是喜爱的。因为他有强大的现实基础和对黑人族群的人文关怀。这样的影片能够带给人更多的反思与悔改，而不是“娱乐至死”。但是另一方面，对于导演强烈黑人立场也需要做一些的提醒。导演淡化了黑人极端组织的危害，强化了“3K党”的愚蠢与仇恨，这显得不够公允。若要走进这百年的伤害中，我们还得再近一些才可以，不要被一时情绪主导从而“剑走偏锋”。

最后，以影片中17年那场悲剧的死者留下的一句话作为结尾吧。“NO PLACE FOR HATE”！圣经说“恨，能挑起争端；爱，能遮掩一切过错。”（箴言10：12）

帕维乌·帕夫利科夫斯基|《冷战》

——讲述“寻找”的故事——

从《修女艾达》的出走到《冷战》的回归，帕维乌·帕夫利科夫斯基一路都在寻找。

帕维乌·帕夫利科夫斯基出生于波兰华沙，双亲是波兰知识分子。由于波兰1960年代的反犹浪潮，他的犹太裔父亲先行逃往德国，后来他的母亲又带着他逃到了英国伦敦，之后一直定居在英国。他的代表作是获得87届奥斯卡金像奖的最佳外语片《修女艾达》。时隔4年，导演带着新作《冷战》再次站到了奥斯卡的舞台上。在我看来，《修女艾达》和《冷战》很像，都是关于讲述“寻找”的故事。

《修女艾达》是一部宗教题材，讲述修女艾达在宣誓成为修女前出发寻找唯一的亲人旺达的故事。修女艾达在知晓自己是犹太人的身份之后，基督信仰开始崩塌，她的人生开始一步步迷失直至彻底的放纵。

《冷战》可以算得上是《修女艾达》的续作。导演在表达完信仰上的出走之后，开始表达生活各个方面的寻找——这个寻找是透过苦苦的15年爱情长跑来表达的。

导演在采访中这么说：“有些人，整个前半生都用来想方设法逃离自己的故土，再用整个后半生来想方设法重归故里——我就是这种人。”可以说，《修女艾达》是导演的出走，《冷战》便是导演的回归。

在影片中，导演是以教堂的符号作为宗教的隐喻。教堂在影片中出现了三次。第一次出现是男主筹办歌舞团的路上，他们偶遇一间破败的教堂，那里圣母玛利亚的壁画已经模糊，教堂的屋顶是巨大的镂空。这里的教堂象征着共产主义下的波兰信仰上的荒芜。

“教堂”第二次出现是女主的一句话里。女主那时已经结婚，但他对男主说“我没有和他在教堂里宣誓，所以还不算数。”这里的教堂象征着波兰人在信仰真空下的迷失。

“教堂”第三次是出现在影片的结尾。男女主人公抛开了世界，如同《毕业生》一般搭上逃离的公车，回到了那间破败的教堂，举行了婚礼。宣誓完之后，女主对男主说：“现在我是你的了，直到永永远远。”这里的教堂象征着信仰的回归。

导演在影片结尾留下一句耐人寻味的话：“我们到另一边吧，那里的风景更好。”另一边是哪里？那里肯定不是巴黎，更不是波兰。无论是巴黎或波兰，风景都是一片荒凉。我觉得“那里”就是导演在《修女艾达》里出走的修道院，也就是说“重回信仰之地”。

《修女艾达》是导演的前半生，他在逃离故土；《冷战》是导演的后半生，他在重归故里。从出走到回归，导演一路都在寻找。

作者：影侠

编辑：什么名编辑部

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